Artes, Geral, Leonardo da Vinci, Renascença

LEONARDO DA VINCI GENIAL ARTISTA E VISIONÁRIO

Leonardo da Vinci

O que nas categorizações da história se chama ‘Renascença’ é um período que se situa entre os anos de 1.300 e 1.600. O sentido do termo é o de um renascimento do homem, da sociedade e da humanidade que retoma os ideais clássicos (greco-romanos) e marca o fim da Idade Média, com o feudalismo em declínio a dar lugar a monarquias centralizadoras e ao capitalismo nascente, como Marx e Engels enunciaram, nomeadamente no Manifesto Comunista, anotando os aspectos, na época revolucionários, sublinhados no prefácio de Engels à primeira edição italiana do Manifesto, onde também anota os seus reflexos nas artes referindo Dante como o último poeta da Idade Média e o primeiro da Renascença. É uma nota importante por o espírito renascentista considerar a Idade Média, como um tempo de trevas, um conceito que, durante largo tempo teve acolhimento e só foi revisto na historiografia moderna.

A raiz dessa ideia está na grande expansão criativa que marcou a Renascença, das ciências às artes, criando o estereótipo do Homem da Renascença caracterizado pela diversidade de conhecimentos, a procura de novos sentidos para a sua própria existência com a consequente nova concepção do ser humano e uma nova compreensão do mundo, num contexto muitíssimo complexo bem descrito por Marguerite Yourcenar na Obra ao Negro.

Se há alguém que corporize esse arquétipo é Leonardo da Vinci. Pintor, escultor, arquitecto, botânico, anatomista, matemático, engenheiro, geómetra, cientista-artista, artista-cientista. Um visionário, artista e inventor com uma inteligência, uma criatividade e uma inquietude que nunca o abandonaram.

Na pintura, o núcleo central da sua actividade, os seus quadros e frescos são notáveis não só pela arte mas também pelas técnicas que utilizava em que estava sempre a inovar, criando novos pigmentos, novos meios para os produzir, novos instrumentos para as realizar. Paralelamente produziu milhares de páginas contendo esboços, desenhos, anotações com esquemas das mais variadas armas de guerra, máquinas de voar, aquedutos, estudos anatómicos, de proporção, de botânica, de geometria. São muitos os seus escritos sobre todas essas áreas. Menos divulgados são os seus textos sobre culinária. Não são de estranhar sabendo-se do seu trabalho nas cozinhas quando era criança e o ter sido nomeado pelos Sforza, uma das mais poderosas famílias da renascença italiana, Mestre de Folias e Banquetes, cargo que ocupou durante treze anos, em que juntamente com receitas excêntricas, que na sua opinião procuram “civilizar” os grandes pratos do Renascimento, estabelece normas de etiqueta e de higiene e, como seria expectável, desenha máquinas para secar roupa, assadores automáticos, um separador de rãs da água potável, um saca-rolhas para esquerdinos, uma trituradora gigante, um cortador de ovos, um enrolador de esparguete, etc. Esse seu interesse pela cozinha poderia ser tema de uma exposição, tal como os muitos outros temas por onde espalhou a sua genialidade.

Leonardo nasceu em 1452, perto de Vinci, na Toscana, filho ilegítimo de uma aldeã com um tabelião. Viveu primeiramente em Florença, onde estudou com Verrocchio. Mais tarde, mudou-se para Milão, onde se tornou conhecido e pintou a celebérrima Última Ceia, que lhe ocuparam três anos. O auge de sua carreira coincidiu com as alianças entre César Borgia e o rei francês Luís XII, quando recebeu o título de engenheiro-geral de toda a Toscana. Em 1513, seguiu para Roma, onde viveu uma experiência curta, mas intensa. Retornou a Milão, viajou bastante, por fim, estabeleceu-se na França, sob o reinado de Francisco I, por não ver “nenhum príncipe italiano a quem se dirigir, já que Rafael reina no Vaticano, Michelangelo em Florença e Ticiano em Veneza”. Em 1516, instalou-se no castelo de Amboise, onde morreu dois anos depois.

Do muito que escreveu sublinhe-se este apotegma: “O Bom pintor é aquele que é capaz de representar duas coisas principais, chamadas Homem e Os Trabalhos da Mente do Homem”.

É uma parte importante desses trabalhos da mente do homem, do homem Leonardo da Vinci que agora se podem ver em Lisboa, até 29 de Abril, no torreão poente da Cordoaria, numa exposição intitulada Leonardo da Vinci-O inventor.

São apresentadas em tamanho real mais de 20 das suas invenções, explicadas em milhares de desenhos, diagramas feitos por Da Vinci, que possibilitam a feitura de interessantes animações em 3D. É uma viagem fascinante a uma parte significativa do que esse génio visionário nos legou.

Helicóptero

(publicado no jornal  Avante! , 1 de março)

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Artes, assédio sexual, Exploração Sexual, Feminismo, Geral, Sedução, sociedade, Violência Doméstica

Assédio e Sedução

The-Lovers

Apaixonados, Pierre-Auguste Renoir, 1948

As denúncias de assédio sexual vulgarizaram-se de tal forma que correm o risco de tudo o que de tanto repetido acaba por criar o seu próprio silêncio. Denúncias quase totalmente protagonizadas por alguéns que pertence a um mundo muito distante de outro em que milhões de mulheres têm infinitamente menos recursos e menos acesso a tudo, aos direitos básicos, aos direitos ao trabalho, à saúde, à educação, à justiça, aos direitos sociais, económicos e políticos em que, mulheres e homens são quotidianamente assediados por uma sociedade que não tem nenhuma dignidade para lhes oferecer.

Espanta-se o mundo com tanto assédio sexual de homens poderosos sobre mulheres igualmente poderosas, secundarizando que o assédio sexual está directamente ligado ao poder económico. É uma forma de exercício do poder económico sobre as mulheres que o têm sofrido nos lugares de trabalho, na rua, em casa. Também embora em muitíssimo menor grau homens têm, terão sido assediados, o que mais sublinha uma arcaica e persistente desigualdade entre homens e mulheres o que justifica a continuação da luta das mulheres pela igualdade de direitos, de todos os direitos em que elas são menos iguais que eles, mesmo nas sociedades em que se têm aproximado.

Ninguém tem o direito de exercer sobre o outro a sua vontade se essa não for a vontade do outro. O assédio sexual deve ser denunciado com o mesmo vigor que o são a violação, a violência doméstica, a exploração sexual. As fronteiras são porosas, têm a mesma raiz. As variantes são mais formais que substantivas.

A excessiva mediatização, sobretudo o modo como essa mediatização é realizada, acaba, pelo menos corre o grande risco, de transformar uma justa denúncia numa parada de estrelas de um feminismo que enlouquece o ponteiro da bússola que tem orientado todas as justas lutas feministas, apontando-a para um subjacente medo por todos, quase todos os homens, onde muitas vezes se queima na mesma caldeira o que é assédio, um exercício unipolar, e o que é sedução, um exercício multipolar. A confusão que se gerou foi, é tão funda que, em contraponto às inúmeras denúncias de assédio sexual que lustram a comunicação social, mulheres, sintomaticamente igualmente poderosas socialmente, vieram a terreiro manifestar o seu prazer em serem desassossegadas pelos homens que têm, no seu dizer displicente “a liberdade de importunar”, uma afirmação patética da sua futilidade, exatamente por não perceberem o que distingue radicalmente o assédio da sedução.

As avenidas comunicacionais onde têm desaguado inúmeros textos e imagens sobre o assunto concorrem, na sua grande maioria, para embotar a sensibilidade social e por tornar a vulgaridade e a estupidez em coisas normais. Um entretenimento vazio com o objectivo de não se alcançar uma consciência crítica da realidade. As vozes lúcidas quase ficam sepultadas nas catadupas das banalidades que sobre este tema como sobre todos os outros temas, nomeadamente políticos e económicos, se transformaram na normalidade de uma sociedade e de um tempo anormal, que é o nosso tempo, “em que tudo é permitido por estar cinicamente perdoado” (Kundera).

Felizmente, para mulheres e homens, continua vivo um feminismo que está de boa saúde, continua forte, depois de muitos anos de lutas persiste em lutar para mudar mentalidades e reivindicar a igualdade em todos os azimutes. No tema em questão contra o assédio sexual e pela sedução sem sexo.

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"Star-System", Artes, artes visuais, Fredric Jameson, Geral, História de Arte, Imperialismo Cultural, Jeff Koons, João Laia, José Luís Porfírio, Joseph Koons, leo ferré, Nathalie Heinich, Nöh Mercy, Von Calhau, Vox Pop

ARTE?

KoonsJeff Koons, um dos mais artistas contemporâneos com maior cotação no mercado das artes, ofereceu à cidade de Paris a maqueta de uma escultura(?), obra original e monumental, para ser realizada com dez metros de altura em bronze, aço e alumínio, custo estimado três milhões de euros, de uma mão empunhando um ramo de túlipas. A única originalidade, as túlipas repetem as muitas que tem plantado em várias exposições, é a mãozinha, um bom exemplo de como Koons é um artista medíocre. Qualquer aluno do primeiro ano de escultura numa qualquer escola de artes deveria ser chumbado se produzisse aquela coisa que é validada por ser desenhada pelo “artista” norte-americano que só o é e tem a cotação por ser suportado pelo negócio que contamina as artes contemporâneas, organizado pelos vendedores das multinacionais do hiperluxo, por uma “crítica” de arte que não existe enquanto crítica, fabrica bulas de marketing publicitário que avaliza as escolhas dos curadores, esse baixo clero das artes do nosso tempo. É uma, mais uma, demonstração do que José Luís Porfírio, com a lucidez e o conhecimento que o caraterizam, enuncia: Cada vez mais o valor venal de um objecto artístico é considerado o seu único valor objectivo, ou mesmo, sem confusões o seu único valor, numa tempo em que os “curadores” não devem pensar porque estão sempre entre duas actividades promocionais onde a arte é, sempre e só, mercadoria e o público se alicia com mentiras, ou melhor (pior) não verdades.

Em França, várias personalidades do universo intelectual contestam que a cidade se deixe aprisionar pela teia de interesses espúrios que têm um único objectivo, contribuir para solidificar a cotação especulativa dos objectos produzidos pelo atelier de Koons que se tornou “num emblema de uma arte industrial, espectacular e especulativa”. Um alarme tardio sobre no que se tornou o “Paradigma da Arte Contemporânea”, para aceitar as teses de Nathalie Heinich, reunidas num livro que tem esse título.

A questão já tem uns anos, tem sido objecto de várias e bem fundamentados teses, das mais pertinentes as de Fredric Jameson nos seus vários ensaios sobre o pós-modernismo. Uma prática artística que não coloca questões porque não tem nada para dizer e se dedica a explorar os limites das transgressões numa sociedade débil, entediada pelo seu próprio tédio e onde tudo se aceita e está cinicamente perdoado, desde que tenha valor de mercado. Mesmo as mais aparentemente contundentes não passam de encenações para consumir um tempo desgastado de uma sociedade de inutilidades retóricas que se acumulam sem sentido para se esquecerem no momento seguinte.

Em Viena, em 1970, vários artistas organizam performances em que mijaram e defecaram em público. Piero Manzoni fabricou e vendeu numa exposição quarente e oito caixas de conserva em que se dizia no rótulo conter a merda do artista. No museu de Anvers, Wim Delvoye expôs uma máquina em que literalmente se reproduzia o ciclo alimentar, da ingestão à excreção dos excrementos que recuperava e vendia com um preço por quilograma. Performances recuperadas por cantores punk. Em São Francisco, Nöh Mercy vai para o palco grávida, simula o parto, num grande banho de sangue falso, dá à luz um osso de vaca. Em Los Angeles, num concerto dos Vox Pop. uma mulher nua corre entre os tocadores e cantores, retira um tampax da vagina, atira-o para a multidão. Alguns flagelam-se brutalmente com navalhas e lâminas, numa auto-humilhação que atingiu o seu máximo com o artista norte-americano Paul McCarthy, horrorizando mas não escandalizando o público. Todas as fronteiras são violadas sem quebrar a imobilidade do nosso tempo como Leo Ferré proclamava “Escuta, escuta…no silêncio do mar, há como um balanço maldito que acerta as horas/ na areia que ascende um pouco, como as velhas putas que refazem a sua pele, desfazem as rugas // A imobilidade…A imobilidade perverte o século”.

A imobilidade que faz assistir às mais parvoides exibições que se vendem como arte. São acondicionadas por farfalhadas como a que, ainda recentemente a pretexto de uma exposição da dupla portuguesa Von Calhau, numa exposição que ainda está em exibição em Londres na galeria Kunstraum, subsidiada pela Fundação Gulbenkian, Instituto Camões e embaixada de Portugal em Londres, o programador independente João Laia, com largo currículo de exposições, a doutorar-se em curadoria, escreveu: “Com recurso a esses diferentes meios, e explorando constantemente a miscigenação de referências e elementos das mais diferentes extrações, os Von Calhau! têm vindo a construir um imaginário e uma cosmogonia muito próprios, esotéricos e sincréticos, a partir dos quais interrogam a nossa condição no mundo, ao mesmo tempo que averiguam o sentido da colaboração inerente a tudo aquilo que fazem”.

Alguém ou o próprio consegue decifrar este pedaço de prosa? Em anexo um video de uma “obra” dos Von Calhau como auxiliar descodificação.

Assim vai, para nossa danação, a arte contemporânea.

Resta-nos acreditar em Leo Ferré, no final do já citado poema-canção Il n’y a Plus Rien: (…) não morreremos em vão/ viveremos para sempre// E os micróbios da parvoíce que insistem / em nos legar / enchendo as vossas estrumeiras / dos vossos livros empilhados nas vossas bibliotecas/ dos vossos documentos públicos/ dos vossos regulamentos da administração penitenciária/ dos vossos decretos/ das vossas orações, mesmo / de todos os micróbios jurídicos/ Estejam tranquilos/ Nós já temos as máquinas para os triturarem// NÓS TEREMOS TUDO// nos próximos dez mil anos.(*)

(*) tradução livre da minha responsabilidade

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Alexandra Markl, Artes, artes visuais, Celina Bastos, Geral, João Glama, Museu Nacional de Arte Antiga, Teresa Serra e Moura

O Terramoto de 1755 na Pintura

Terramoto joão Glama

O Museu Nacional de Arte Antiga tem sempre motivos para ser visitado. Não só pelas suas colecções permanentes, merecedoras de serem sempre (re)visitadas mas também pelas suas exposições temporárias.

Na semana passada foi inaugurada a exposição Anatomia de uma Pintura, sobre O Terramoto de 1755, de João Glama Stöberle, um dos mais meritórios pintores do barroco português.

A importância dessa pintura ultrapassa-a. O terramoto de 1755 uma catástrofe que destruiu Lisboa ecoou por toda a Europa com enormes repercussões no mundo filosófico, científico e político. Aconteceu numa época de grandes transformações sociais quando o iluminismo e o capitalismo lançavam as bases das sociedades modernas nalguns países da Europa Ocidental.

Os primeiros embates em Portugal foram entre os jesuítas e o Marquês de Pombal. Os jesuítas dominavam o país espiritual e temporalmente. Controlavam o ensino, opondo-se às reformas do marquês que introduziam a investigação experimental e as ciências da natureza de acordo com os padrões científicos mais avançados na Europa. Tinham um imenso poder económico, sobretudo no Brasil, em que se subtraíam aos impostos do Estado. O terramoto abriu um campo de batalha privilegiado. O jesuíta Malagrida escreveu um panfleto “Juízo da Verdadeira Causa do Terramoto” em que atribuía a catástrofe a um castigo de Deus pelas políticas do reino, ameaçando quem não contribuísse generosamente para os cofres religiosos com novos castigos divinos. Contrariava frontalmente o Marquês de Pombal que tinha proclamado que o sismo era um fenómeno natural, não tinha nada de religioso. O embate era sobretudo político, acabaria com a expulsão dos jesuítas e o reforço dos poderes do marquês. No estrangeiro o debate era sobretudo filosófico. Rousseau e Kant procuraram explicações científicas para o sucedido, destruindo as especulações religiosas, os significados supersticiosos. Voltaire no “Poema sobre o Desastre de Lisboa” refuta as teorias de Poppe e Leibnitz de o terramoto ser uma consequência inelutável da natureza humana submetida à justiça de Deus. Em “Cândido ou o Optimismo” faz desembarcar os protagonistas, Cândido e o seu mestre Dr. Pangloss, em Lisboa no dia do terramoto. O jovem acredita que é o Dia do Juízo Final, o mestre uma questão vulcânica. Uma alegoria sobre a ingenuidade e a exploração da ingenuidade.

O Terramoto de Lisboa, um terrível fenómeno natural, tornou-se num fenómeno cultural de enormes repercussões com uma dimensão histórica de grande amplitude.

Paradoxalmente nas artes o terramoto teve menor expressão. David Perez, Mestre da Capela Real que tinha inaugurado o Teatro da Ribeira, arrasado e não reconstruido, com Alessandro nell’Indie começou a dedicar muita da sua escrita à música sacra com destaque para Mattutini dei Morti, sobre o fatídico dia 1 de Novembro.

Nas artes visuais a iconografia é escassa. A mais significativa é O Terramoto de 1755 de João Glama e as gravuras de Jacques-Philipe Le Bas, sobre desenhos de Pedegache, que antecipam a atracção encantatória que as ruínas iriam provocar nos românticos.

A pintura de João Glama é uma obra inacabada depois de trinta e seis anos de trabalho. É uma panorâmica de todas as catástrofes que destruíram Lisboa. Pessoas de todas as condições sociais, abismam-se com o tremor de terra, os incêndios, o maremoto. São mortos, moribundos, gente paralisada pelo terror e que socorre os sobreviventes, chora os mortos num cenário de ruínas.

O quadro restaurado por Teresa Serra e Moura, técnica de conservação e restauro do MNAA, que dada a escassez das figurações tem sido o mais utilizado para o representar o terramoto, está em exposição na Sala do Tecto Pintado do museu, apoiado num profundo e esclarecedor estudo de Alexandra Markl e Celina Bastos que determinaram que o pintor se encontrava em Lisboa, na Igreja das Chagas tendo fugido para um descampado onde está agora localizada a Associação Nacional de Farmácias. Concluem as historiadoras, baseadas na muita documentação consultada, que João Glama começou a pintar o quadro imediatamente, quase sem desenhos preparatórios recuperando alguns dos personagens de estudos muito anteriores, alguns feitos quando estava em Roma. O propósito do pintor era “escrever” uma narrativa feita de fragmentárias narrativas em que também participa. Dar uma ideia “cinematográfica” do acontecimento num cenário de destruição e desolamento que o tratamento das ruínas acentua. Em tantos anos de trabalho Glama vai mudando perspectivas e personagens, como as análises de raio-X revelaram. Provavelmente o impacto do terramoto em Portugal e no mundo, conduzem-no a alterações que não sendo substantivas não deixam de ser relevantes.

A exposição intitula-se Anatomia de um Quadro. De facto o trabalho realizado pelas historiadoras e pela técnica de restauro, a documentação reunida e sistematizada pela primeira vez dá nova perspectiva a essa pintura e à vasta obra de João Glama. Uma exposição que pode ser visitada até 27 de Maio onde vale ir para se perceberem os labirintos da arte e as questões com que os artistas se confrontam, por vezes tão vastas que o pintor fica incapaz de acabar um trabalho.

( na base de um texto publicado no jornal Avante!)

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AbrilAbril, Almada Negreiros, Ana Hatherty, Artes, artes visuais, Balthus, Camille Claudel, Caravaggio, Céline, Crivelli, Erza Pound, Fillipo Lippi, Geral, Henry Miller, Jorge Pinheiro, José Escada, Lewis Carroll, Michelangelo, Otto Klemperer, Paul Claudel, Pedro Chorão, Polanski, Rimbaud, Sérgio Pombo, Verlaine, Villon, Wagner, Woody Allen

2017-Artes Visuais : Um balanço em passo(quase) de corrida

ao povo alentejano

Ao Povo Alentejano. Jorge Pinheiro, 1980

Se, no plano fechado do foco estrito das artes visuais, o ano 2017 começa bem com as semanas finais das exposições inauguradas em 2016, de Pedro Chorão, organizadas por José Luís Porfírio, pintura Corpo a Corpo, no Torreão Nascente da Cordoaria, desenho A Torto e a Direito, na Fundação Carmona e Costa e a de José Escada, Não Evoluo, Viajo na Fundação Gulbenkian, organizada por Rita Fabiana, acaba em grande esplendor em Serralves com Jorge Pinheiro: D’Après Fibonacci e as coisas lá fora, projectada por Pedro Cabrita Reis, com desenho expositivo de Eduardo Souto Moura, a primeira grande exposição de um dos mais importantes pintores portugueses, depois da retrospectiva que a Fundação Gulbenkian lhe dedicou há quinze anos.

Muita outra coisa aconteceu neste ano de 2017 que, pelas melhores e as piores razões, se deve assinalar num balanço que é sempre algo imperfeito, mesmo nas contabilidades mais criativas e não pode ficar entrincheirado nos cômputos das exposições das artes visuais.

1. BALANÇO, PIM!

OS CONCURSOS DE APOIO ÀS ARTES

Por onde começar? Pela miséria do Orçamento de Estado para a Cultura que continua a ser um resto, uma sobra no OE, apesar de um ligeiro aumento que não dá para mudar o furo do cinto. Num balanço de 2017 tem que se olhar preocupadamente para os processos de candidaturas de apoio às artes que são fundamentais para viabilizar projectos que, nos últimos anos, têm sido administrativamente adiados. Apoios estatais à criação artística que são a possibilidade de centenas ou mesmo milhares de criadores e outros trabalhadores da cultura não verem a sua actividade frustrada e da da área cultural não ser inteiramente colonizada, sem alternativa, pelos produtos mercantis, rotineiros das chamadas indústrias criativas e culturais. Olhar preocupadamente porque os ecos das notícias sobre o curso dos candidaturas são inquietantes. Labirintos de formulários complexos, com informação detalhada entre explanação de projectos, orçamentos, anexos a suportar a documentação exigida. Respostas a perguntas algo desconexas que impõem aos concorrentes que, sublinhe-se trabalham em estruturas frágeis, um esforço desmesurado que chega às centenas de páginas e se pode perder num pormenor, na falha de uma assinatura, numa rasura.

Um exercício para os concorrentes que faz lembrar a feroz ironia de João Abel Manta quando retratou as aventuras de um cidadão português a aventurar-se numa digressão por um crítica ensaística.

João Abel Manta

Perguntas que não se percebem sobre se os projectos “valorizam a fruição artística enquanto instrumento de correção de assimetrias territoriais e de desenvolvimento humano, social, económico e financeiro”, “coesão social e territorial”, “qualificação dos cidadãos”, “valorização do território”, etc. Em vez de inquirir, os júris deveriam verificar se os projectos correspondem a esses objectivos, porque a cultura os deve ter sempre presentes e as práticas artísticas para ela devem concorrer. O ministério é da Cultura não é das Artes, apesar das artes serem parte substancial e impartível da cultura. As artes não podem ser percepcionadas como uma actividade que só tem por objectivo elas próprias, como se existissem e fossem realizadas numa ilha sem qualquer relação com um continente que é, aliás, o que confere significado à ilha. Uma equação complexa e algo paradoxal em que se deve ler atentamente Manuel Gusmão; “a poética é um produzir, um estudo da poiesis, e, a poesis já introduz artes e, portanto, podemos falar da poesis de qualquer arte sem trazer nada de exterior à arte, enquanto que, quando falamos da estética, tentamos confrontar o mundo da arte com o mundo em que vivemos, o mundo onde a arte é. Esse confronto pode não nos trazer muita coisa de bom porque substitui a descrição daquilo que as artes fazem por valores de comparação entre a figura artística e a figura do mundo e isso é aquilo que significa, por um lado, aparentemente, a necessidade de ver que a arte tem sempre a ver com o mundo mas não implica, não garante, que o que o que a arte ganha do mundo seja dito pela arte tal qual, e, portanto, é preferível escutar a arte no que ela diz enquanto arte e aí confiarmos que ela tem uma palavra sobre o mundo”. Uma tese orientadora dos concursos de apoio às artes delimitando os campos sem os excluírem.

Espera-se que se aprenda com os concursos agora feitos, que foram encerrados no fim do ano, para no futuro se simplificarem e sobretudo cumprirem prazos que viabilizem os projectos em tempo útil, o que parece extremamente difícil com os procedimentos actuais e com o modo como se constituem os júris. Foram dados passos positivos sem resolver os de fundo que deveriam nortear os concursos de apoio às artes. É cada vez mais evidente a urgência de uma profunda reestruturação do Ministério da Cultura para se delimitar claramente duas esferas de acção, uma com o foco no Património Cultural e nas instituições directamente dependentes, outra nas Artes Contemporâneas. Dois pilares que, nunca estanques, ficariam com maior autonomia e mesmo especialização para gerir os imensos problemas em que essas duas áreas se debatem actualmente. Duas estruturas verticais que se enraizariam numa rede horizontal que cobriria todo o território, região a região. Isso implicaria a reforma total das actuais Direcções Regionais de Cultura, hoje uma quase irrelevância. Um modelo de estrutura que favoreceria a descentralização positiva contra o excessivo centralismo que tem sido acentuado com as reformas que se tem feito, sobretudo desde 1980, com o aumento exponencial do aparelho de Estado na Cultura, reforçando um centralismo administrativo que nem umas vagas desconcentrações ilude. Um reestruturação que deveria ter reflexos positivos na simplificação e na descentralização dos concursos de apoio às artes , para que a Cultura, como se afirma no Manifesto 1% para a Cultura, se deixe de colocar no plano de um adereço da sociedade ou de um privilégio das elites. Cultura parte inteira da saída democrática da crise que, timidamente se procura resolver, com a intervenção determinante dos trabalhadores e do povo. Cultura que deve assumir um papel central, enquanto serviço público, que assegura o direito de todos ao acesso, à criação e à fruição cultural. Cultura, pedra nuclear na formação da consciência da soberania e da identidade nacional, dialogando, de igual para igual, com toda a cultura de todos os povos do mundo. Cultura a explorar o seu imenso potencial de criação, liberdade, transformação e resistência que deve ter um apoio decisivo por parte do Estado para não deixar destruir o que existe e não destruir o que fica impedido de existir. Os últimos Orçamentos de Estado para a Cultura, melhoraram a situação em relação aos anos de austeridade sem deixarem de ser preocupantes. Um tema que merece e exige uma mais ampla reflexão.

2. BALANÇO PAM!

A MARATONA DAS EXPOSIÇÕES

Balanço das exposições realizadas? Colunas Deve e Haver? No fim uma cotação +++ ou — com a seriedade das moodys, fitchs & poors que dão AAA+++ a empresas que no dia seguinte vão à falência mas rendem milhões aos especuladores seus accionistas? Como avaliar o débito e o crédito de valores imateriais? Qual o peso do irremediável kitsch do Terço em Fátima e do Galo à beira Tejo da Vasconcelos, joaninha volumosa que vai, por isso ou por causa disso, voar em 2018 para aterrar os seus totens na arquitectura de guardanapos do Guggenheim de Bilbau, numa demonstração que a “Merde d’Artiste” já não fica encerrada em latas de conserva.

Merde d'artiste

Merde d’Artiste, Piero Manzoni, 1961

Qual o contributo para um possível défice? E em que colunas colocar as inúmeras exposições de artistas interessantes ou desinteressantes em não menos interessantes e desinteressantes espaços exposicionais? As estradas do mundo das artes estão entupidas com artistas interessantes para todos os gostos, desgostos e paladares. Por cá, muitos a fazerem pela vida, apoiados em retóricas tanto mais obscuras e inteligentes quanto mais indigentes são as obras para se decifrar o indecifrável em curvilíneos textos que referem a natureza performática e efémera que as obras possuem e obrigam a um mergulho documental muitas vezes hostil ao espectador ou as interrogações poéticas do sentido que se estabelecem com os objectos em experiências marcadas pelo espanto, o humor e a perplexidade deste momento de destruição que ameaça o mundo em que falar de cura e reparação é uma urgência porque noutra lauda se desafia questiona e enfrenta o esquecimento para descobrir e activar os sentimentos latentes, percepcionar a materialidade das coisas, interrogar-se sobre o processo de realização das obras e o corpo, omnipresenças nos quilómetros que se percorrem a olhar para as paredes e para o chão e para o tecto dos cubos brancos onde a obra de arte é filtrada por coleccionadores, instituições públicas e particulares, feiras de arte. Escreve-se, muito se escreve sobre a obra em meios de comunicação social, generalistas ou especializados, muitos deles suportados pelos seus circuitos comerciais. Uma massa flutuante de informação que acaba fixada na História(s) de Arte que desse modo a certificam. Nesses trânsitos procura-se ocultar que na arte a História e a crítica valem dinheiro. Está-se bem perto dos métodos de funcionamento do sistema financeiro que é o que realmente interessa porque pela primeira vez na história, na longa perspectiva da história, nesse nosso tempo pós-moderno, chegámos ao que antes era impossível conceber: a de uma arte sem significação social. É a danação do nosso tempo em que vivemos como o sujeito da canção Ces Gens-Là: “on ne s’en vas pas e il faut que je rentre chez moi”. E reentramos no mundo das artes a percorrer quilómetros de paredes, chão e tectos dos cubos brancos onde se plantam obras classificadas como arte nas múltiplas variantes do populismo estético e da ausência de profundidade que é o traço fundamental do pós-modernismo (Francis Jameson), na fusão obscena entre estética e realidade (Marcuse) em que se pode encontrar o padrão, de novo se recorre a Jameson, nos Sapatos com Pó de Diamante de Warhol a fulgir a sua inanidade, a sua vulgaridade que ribomba com intensidade nas redes de comunicação social e nas falácias estéticas que conseguem ocultar a significação, a beleza, o juízo político das Botas Camponesas de Van Gogh. É o drama da criação contemporânea, seja lá o que isso for, em que tudo se transforma em mercadoria.

Mas esse passeio pelas exposições no ano de 2017 começou bem com o fecho de três exposições inauguradas no ano anterior. As duas de Pedro Chorão, organizadas por José Luís Porfírio, pintura Corpo a Corpo, no Torreão Nascente da Cordoaria, desenho A Torto e a Direito, na Fundação Carmona e Costa e a de José Escada, Não Evoluo, Viajo na Fundação Gulbenkian, organizada por Rita Fabiana, para acabar em grande esplendor em Serralves com Jorge Pinheiro: D’Après Fibonacci e as coisas lá fora.

El-rei 1974

IEl-Rei V (Olhando um Quadro de Jorge Pinheiro – o da MetaLinguagem), Jorge Pinheiro, 1974

Jorge Pinheiro é um dos mais relevantes artistas da história de arte portuguesa. Nessa exposição de oitenta obras de pintura, escultura e desenho, abstratizantes ou figurativas, é determinante o estudo que o artista dedicou às sequências matemáticas de Fibonacci, estabelecidas no século XIII, que esclarecem a regra de ouro nas artes e nunca perdeu actualidade. Tem aplicações na análise de mercados financeiros, na ciência da computação, na teoria dos jogos, em muitas outras ciências. O fascínio que exerce e está bem presente em toda a extensa obra de Jorge Pinheiro é o do rigor do pensamento matemático, de como a matemática ensina a pensar e de como esse pensamento se transpõe para um sólido pensamento estético e uma não menos sólida e fascinante prática artística.

Esta exposição de Jorge Pinheiro é uma oportunidade de ver a grande arte, em plano igual à da selecção de obras do Museu do Vaticano que pôde ser vista no Museu Nacional de Arte Antiga com obras notáveis dos primitivos italianos Taddeo di Bartolo, Sano di Pietro, Fra Angelico, e de grandes mestres do Renascimento e do Barroco, Rafael, Pinturichio, Salviati, Pietro da Cortona, Barocci, em que a Virgem Maria é o centro da temática.

São exposições que marcam o ano de 2017, onde também é de assinalar a de José Almada Negreiros- Uma Maneira de Ser Moderno, comissariada por Ana Vasconcelos e Mariana Pinto dos Santos, com um trabalho a sublinhar sobre esse caso muito particular nas artes portuguesas e no contexto do modernismo, que tinha na altura o centro irradiante em Paris, de um Almada, autodidacta, artista multidiversificado, que cunha toda a sua obra com o selo de uma modernidade contraditória, híbrida, complexa.

Almada, com uma energia criativa invulgar presente em toda a sua obra de poeta, ficcionista, conferencista, ensaísta, desenhador, pintor, artista gráfico, muralista, ceramista, vitralista, cenógrafo, coreógrafo, bailarino, geómetra, onde o centro é ele em estado de performance narcisista.

No percorrer das outras exposições, com as questões já assinaladas, são  ana hathertyde referir a de Ana Hatherty e o Barroco, no Museu Gulbenkian, as de Sérgio Pombo, no Teatro da Politécnica e no Centro Cultural de Cascais e as várias de Valter Vinagre, em muitos lugares do país que o colocam num lugar central e de relevo na fotografia.

A finalizar este capítulo uma nota para o fecho da saga Miró quando faltam uns pormenores burocráticos e saber quanto se vai pagar à Cristhies, ficando, como é hábito, impunes os que armaram o imbróglio atropelando o quadro legal vigente. Há um efeito público no desfecho que não é desprezível, gerador de uma animação que de algum modo aplaina um olhar crítico. Curioso é confrontar esta apresentação pública com as muitas discussões a favor e contra ficar ou não ficar propriedade do Estado, sem que as obras fossem conhecidas ou só fossem conhecidas por um restritíssimo grupo de pessoas, na maioria sem especial conhecimento das artes. As 85 obras tinham sido compradas a granel pelo BPN. Eram um activo do banco sem qualquer preocupação que orientasse a sua selecção,o que está bem presente nesta exposição de Miró com obras de várias técnicas, temporalmente muito distantes, em que as conexões que se procurem estão dispersas. Há uma evidente irregularidade e errância entre elas, o que torna mais evidente o modo como o pintor com as suas formas abstractas se apropria dos automatismos introduzidos pelos surrealistas para os recuperar nas formas abstractas, como deriva das propostas sobre cor iniciadas com Cézanne e Matisse, o que é particularmente interessante e acaba por conferir outra relevância a esse acervo que não é particularmente notável no seu todo pelo que em causa estará a sua indivisibilidade, como publicitariamente se proclamou.

3. BALANÇO PUM!!!

O KLU KLUX KLAN POLITICAMENTE CORRECTO

Thérteèse Dreaming, Balthus

Thérèse Dreaming, Balthus, 1938

No mês de Dezembro, nova-iorquinos fizeram uma petição em que se exigia ao Metropolitan Museum of Art que retirasse das suas paredes o quadro de Balthus, Thérèse Dreaming.

Motivo de tal pretensão: as muitas acusações de assédio sexual que desabaram sobre várias personalidades norte-americanas na sequência da Marcha das Mulheres em Washington que apontavam, com razão, para Trump e as suas fanfarronadas em que envolvia o sexo feminino. É de passar por cima, mesmo dando-lhes razão mas sem esquecer que muitas dessas organizações de mulheres eram financiadas por um personagem não menos torpe, Georges Soros. O assédio e a violência sexual, a desigualdade, a discriminação, a misoginia em relação às mulheres deve ser veementemente condenada. Tem uma história longa que começa se quisermos encontrar uma data quando Adão e Eva foram expulsos do paraíso, continuou imparável até aos nossos dias, apesar dos muitas conquistas alcançadas pelas lutas das mulheres e dos homens, uma luta que se inscreve na luta mais geral contra uma sociedade dividida em classes e na exploração do homem pelo homem e que não se resolve nessas lutas ditas fracturantes que são, sublinhe-se, importantes e devem ser empreendidas sem desfalecimentos. Dando-lhes razão, há que lhes retirar razão quando denunciam o que consideram ser o voyeurismo romanticizado pelas artes, sobretudo intermediado por crianças ou adolescentes, que é o que denunciam no quadro de Balthus a que, se fizesse vencimento, se seguiria o rasuramento de todas as ninfetas, para lá da sua idade, descritas, pintadas, fotografadas, filmadas, queimando na fúria dessas fogueiras inquisitoriais romances, poemas, pinturas, filmes, músicas que fariam um vazio devastador na história das artes. Quando, em França, esses novos guardiões da moral pública fazem uma manifestação à porta da Cinemateca com palavras de ordem e cartazes em que gritam “Se violar é uma arte, dêem a Polanski, todos os Césares”, estão a legitimar, se calhar sem disso se aperceberem, a destruição dos Budas no Afeganistão pelos dijahistas. Polanski deve ser condenado por ter violado uma adolescente de treze anos? Deve ser condenado sem remissão, mas essa condenação não pode nem deve atirar para o index os seus filmes. Por esse caminho vamos rasgar os poemas de Dante a Beatriz? Ou Alice no País das Maravilhas porque Lewis Carroll do que gostava mesmo era de desenhar e fotografar lolitas nuas e seminuas? Ou os filmes de Woody Allen com referências explícitas às suas histórias reais com Soon Yi uma adolescente, sua enteada via Mia Farrow? Vamos submeter a juízos morais e criminais as obras de poetas, pintores, romancistas, cineastas, músicos, ostracizando a sua arte porque infringem códigos morais, como Oscar Wilde condenado a dois anos de prisão, com trabalhos forçados, por cometer actos imorais com diversos rapazes? Ou Crivelli, pintor de magníficas virgens julgado e condenado por ter sequestrado e repetidamente abusado de uma mulher indefesa? Caravaggio, inúmeras vezes condenado como homem perigoso e violento. Villon por ser ladrão, boémio e bebâdo, Rimbaud e Verlaine pelos seus escândalos amorosos, Céline anti-semita e misógino, colaborador destacado do governo de Vichy, relator de listas de resistentes franceses, judeus e não judeus, que enviava para os campos de concentração nazi. Schubert por escrever magníficos lieds que trocava por engates de momento. Os filmes do realizador francês Brisseau condenado a prisão por assédio sexual? Deixamos de ouvir Mahler, dirigido por Otto Klemperer que é de uma clareza arquitectural não mais alcançada porque tinha comportamentos sexuais incontrolados que alternava com mergulhos ultra puritanos? Os exemplos multiplicam-se e esvaziariam as artes tornando-as num deserto a engrossar um index interminável, dependente de códigos, morais, históricos e sociais com a agravante de serem variáveis com as épocas. Essa gente não percebe nem nunca perceberá porque devassos como Fillippo Lippi ou Carlo Gesualdo são capazes de pintar figuras bíblicas com a maior aura piedosa e virginal ou escrever Tenebrae ou Sabbato Sancto com um sentimento religioso e metafísico que muitos bons e politicamente correctos cristãos nunca alcançaram.

São um impulso que tem erupções recorrentes ao longo da história. Recorde-se o Concílio de Trento em que se chegou a propor acabar com a música sacra, só o bom senso de Palestrina evitou semelhante brutalismo, ou recobrir os frescos de Michelangelo na Capela Sistina de um azul celeste contínuo que faria as delícias de Yves Klein, por causa da extrema sensualidade dos episódios retratados

De lembrar que no auge da Guerra Fria Cultural, em que a CIA empenhou biliões de dólares, no primeiro congresso de curadores norte-americanos, esse baixo clero contemporâneo que comprava arte para as grandes corporações financeiras e do complexo industrial-militar, proclamou urbi et orbi que só iriam adquirir obras de arte que não tivessem qualquer relação com política, religião, sexo. Faziam-no em nome da liberdade artística, da arte pela arte, atirando para o caixote de lixo séculos de inquietações estéticas e artísticas. Faziam-no sabendo do poder de compra que estava à sua disposição e que comandaria a liberdade artística entregue farisaica e falsamente aos ditames do mercado sustentado por retóricas estéticas em que ninguém acredita. O seu desejo final era impor um campo de concentração terrestre onde se cercariam e se possível se atirariam para as câmaras de gás as lutas de classes para triunfo do fim da história enfeitada com uma arte elegantemente congelada limpa de sexo, política e religião, para alegria do olhar cego e estúpido dos viajantes por essas falácias, amplamente difundidas por uma comunicação social mercenária. Olhar cego e estúpido que não consegue ver as artes incómodas de todos os tempos produzidas por génios como Picasso, Erza Pound, Henry Miller, Wagner e tantos outros a que colariam os emblemas das “monstruosidades” das suas vidas numa fúria abominável de purificação, para os ocultar soterrando-os debaixo das virtudes dos piedosos e insuportáveis versos de Claudel que sequestrou até ao fim da vida a irmã, a escultora Camille Claudel, ela sim uma inspirada artista, num hospital psiquiátrico por condenar a sua livre vida sexual.

O que estamos a assistir é uma sequência, por assim dizer natural, desse paradigma da lógica cultural do pós-modernismo na lógica do capitalismo final que faz das artes mercadorias submetidas aos valores do mercado, situando-as num nicho do mercado dos bens de luxo em que a arte, as artes se integram com a frenética urgência de produzir novas linhas de produtos inconsequentes, subtraídos de qualquer inovação ou experimentação estética que não sejam pasto para a moda e as estruturas do star-system. Um mercado concordante com a imagem política da época que estamos a viver e nos querem impor bem retratada no filme de João César Monteiro, A Comédia de Deus, na cena em que é extraído do ventre do protagonista, entrapado numa cama de hospital, um enorme falo que vai ser pousado diante de uma fotografia de Georges W. Bush, o führer do império que se considera excepcional e quer policiar o mundo. Imagem política premonitória que o realizador completa em Le Bassin de John Wayne com a frase arquétipica: “hoje os novos fascistas, apresentam-se como democratas” que é o que são essas virtuosas congregações, novas polícias de costumes que se propõem acrisolar o mundo, castrando-o para triunfo do fim da história, do fim da política, do fim da ideologia.

Estamos a viver um tempo de niilismo democrático e a arte, as artes devem ser uma trincheira contra o ghetto em que as querem encurralar tornando-a uma inutilidade num território neutro de um salão de festas divertido, inócuo, moralista ainda que controladamente extravagante, noticiado abundantemente na comunicação social dita de referência e nas revistas da moda dos vários canais em que se consomem os dias.

A arte, as artes são a luta constante que nos faz interrogar a vida, a sociedade. A arte, as artes são parte activa da luta política diária em participam sem se deixarem colonizar pela política e sem submeterem ao simplismo de censuras que atiram as obras de arte para o deserto por via da vida pessoal dos artistas que não é nem tem que ser um modelo de virtudes. Contra a actual ofensiva moralista reclama-se a clarividência de não se estabelecer uma relação directa e imediata entre a vida como foi vivida pelos artistas e as suas obras, no que pode mesmo ser uma contradição insanável.

(publicado em https://www.abrilabril.pt/ )

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Artes, Cultura, Geral, museus, Panteão, Património Monumental, Web Summitt

A Degustação das Artes e da Cultura

O falazar que o jantar no Panteão originou tapa a questão central de a cultura ter deixado de ser um bem para se converter num produto, numa mercadoria a que se exige rentabilidade.

Selfie de freiras

 

O jantar dos Founders Summit, os principais fundadores de empresas que estiveram na Web Summit e outros seus convidados de topo, no Panteão Nacional levantou um vendaval de indignações que tem muito que se lhe diga. Ao ler as listagens das dez melhores ideias, as 67 frases mais marcantes e o mais que se plantou na embasbacada comunicação social atropelada por tanta tecnologia, mais as ilustrativas entrevistas aos empreendedores triunfantes, as premonições 360 de gente como Al Gore, Margrathe Vestager, Bruno de Carvalho ou François Hollande, o que mais espanta é, naquela feira de app’s tão imaginativas, não aparecer uma startup a apresentar uma app para facilitar a interacção entre equipamentos culturais  o mundo empresarial que se lustra com eventos em ambientes históricos e  os famosos ávidos por ascenderem aos patamares da cultura  a que seriam elevados por uma rave na Torre de Belém decorada pela Joana Vasconcelos. Uma app que facilitasse e desse dimensão internacional a jantares e festas no Panteão, nos Jerónimos, no Convento de Cristo, etc., transportados pelos carros voadores da Uber. A starup estava condenada ao sucesso, acabavam-se as discussões. A ementa Barreto Xavier para uso do património cultural valorizava-se, os preços de saldo aí inscritos subiriam em flecha dado o aumento da procura. Na tabela de preços incluir-se-ia um anexo com as custas das selfies pessoais e grupais, recortadas em fundos monumentais. Paddy Grosgave snifaria a variante digitalizada dessa cocaína cultural, um must que poderia utilizar para valorizar o negócio das praças de jorna da Web Summit.

O falazar que o jantar no Panteão originou tapa a questão central de a cultura ter deixado de ser um bem para se converter num produto, numa mercadoria a que se exige rentabilidade. Progressivamente tem-se desmantelado o modelo de investimento público no património cultural, museus e monumentos. É a disneyficação da cultura que segue as estratégias culturais em prática nos EUA em que a cultura foi e é desde sempre um meio usado para lavar atentados ambientais, crimes fiscais, especulações financeiras, fugas para offshores, duplicidades éticas e, claro, a exploração do trabalho com o adicional de se obterem chorudos benefícios fiscais,

Os exemplos na Europa multiplicam-se apesar e mesmo quando há umas décadas se conseguiu contrariar a intenção de alguns países da CEE de quererem submeter as actividades culturais e artísticas aos ditames da Organização Mundial do Comércio fazendo equivaler livros, concertos ou esculturas a batatas, tupperwares, atacadores para sapatos com todas as consequências a montante e a jusante. Em síntese, queriam atirar  a cultura e a criação cultural para a fogueira unidimensional do mercado. O que não entrou pela porta principal entra pela janela. Não há almoços grátis, como propugnou e popularizou o expoente do neoliberalismo Milton Friedman. Com o desinvestimento público na cultura e no património cultural as estratégias de sobrevivência multiplicaram-se e as questões éticas colocadas pela progressiva influência dos patrocinadores nas decisões das direcções dos museus e monumentos são uma realidade que têm sido objecto de acesas discussões.

Hoje vulgarizaram-se as lojas e restaurantes dos museus onde há uma oferta gastronómica variada, a venda de objectos mais ou menos chiques, é preciso alcançar todas as bolsas, adquirir os catálogos dos seus conteúdos sendo-se poupado à chatice de o visitar ou sequer saber o que por lá é exibido. Paralelamente promovem-se visitas desenfreadas em que é permitido às hordas de transeuntes tirarem fotografias colocando em perigo objectos expostos, os casos de danos graves sucedem-se em todo o mundo. Quase se incentiva a praga da selfies em que se abraçam estátuas milenárias, se ocultam pinturas colocando-as em risco. Deixaram de ser objectos de contemplação e usufruto cultural para se equivalerem a manequins numa montra.

Os führers da moda, da fashion life tomam de assalto o património cultural associando-os às suas marcas. Um exemplo paradigmático é Itália, com um legado de grande dimensão em risco a exigir intervenções urgentes e os governos, o de Berlusconi na linha da frente, a cortarem drasticamente os orçamentos da cultura. Solução? Vendem-se direitos de patrocínio na restauração de monumentos como a Fonte Trevi à Fendi, o Coliseu de Roma à Tod’s, Pompeia à Prada, a Torre de Pisa à Gucci, associando os logotipos das marcas aos monumentos que apadrinham. Em França também está em curso, desde 1984, um vasto programa de privatização de património edificado, iniciado por Jack Lang esse feérico ministro da cultura que proclamava “ser necessária imaginação para os reinventar”. Na Europa esses processos cavalgam o tempo. Por cá, mais modestamente, o programa Revive recorre ao empreendedorismo turístico com promessas de restaurar o património edificado e lhe dar acesso público, desde que, evidentemente, não incomode os utentes que pagam para dormir e vaguear por onde dormiu e vagueou a extinta nobreza pelo que se deve preservar o sossego desses esplêndidos momentos de ócio, pagos e bem pagos aos empreendedores que em poucos anos amortizam os investimentos feitos à conta do valor histórico desses lugares, Vamos ver como correrá essa coexistência.

O grande problema da imaginação para reinventar os monumentos é se as operações imobiliárias, que necessariamente lhes estão associadas, garantem e como garantem as suas memórias originais, ou se essas memórias serão e como serão sacrificadas à sua reabilitação. Nos processos em curso por essa Europa fora, nada está garantido e muito do que já foi feito só provoca as máximas apreensões.

Tudo isto se enquadra no estado actual da cultura e das artes.  Está em linha com as exibições de arte contemporânea em que as marcas de artigos da moda e luxo se associam às vernissages sublinhado o seu carácter mundano com desfiles de moda ou assinalando-as como fez a Hermès na inauguração de Buren em Paris com lenços de seda desenhados pelo artista, a Louis Vuitton com sacos monografados de Murakami na abertura de uma sua exposição em Los Angeles. Exemplos não faltam nessa lógica ostentatória em que se associa a moda à arte contemporânea, em que o mundo dos famosos desfila destilando fragâncias, joias e os últimos modelos de vestuário. São menos as notícias sobre as exposições e os sucessos culturais que as que registam as presenças do star-system, da política aos grandes empresários, das vedetas televisivas às do desporto, do cinema, da música e da arquitectura, dos artistas visuais ao baixo clero da crítica e curadoria que os promove e os chefs que prepararam as degustações daquele evento ou esperam ser convidados para o próximo.

É o estado geral das artes e da cultura contemporâneas em que a dominante é a mercantilização todo o terreno vendida em embrulhos espectaculares e sensacionalistas. No horizonte já nem sequer se vislumbra alguma Margarida à beira desta estrada que Fausto corre em maratona destravada, vendida a alma ao Diabo para ter visibilidade e arrebanhar mais-valias.

(publicado em https://www.abrilabril.pt )

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Artes, Cultura, Fernanda Botelho, Geral, Guia Eventos Setúbal, Literatura, Livros

O Esplendor da Escrita

FBotelho

Fernanda Botelho, uma das escritoras mais originais da língua portuguesa, tem vivido no limbo em que navegam muitos outros vitimados por políticas editoriais não alheias a uma crise universal, não só económica mas também de ideias, mais agravada num país periférico como o nosso com frágil rede de leitura e parco consumo do livro. Causa alguma estranheza a quantidade de títulos que se publicam, com tiragens reduzidas se comparadas com algumas décadas anteriores, bem como a anorexia de muita dessa livralhada que enche as prateleiras das livrarias. Há sempre surpresas, excelentes surpresas, tanto de novos autores como de recuperação de outros que andavam esquecidos. É o caso de Esta Noite Sonhei com Brueghel.

Um romance em que a protagonista, Luiza recorre à autobiografia da autora para fazer o seu retrato pessoal inscrevendo-o numa fotografia que é o do país nesse tempo. Um labirinto angustiante, à beira de um abismo desesperado em que os quadros de Brueghel, com que Luiza sonhou uma noite, funcionam enquanto fios condutores.

“Comecei-o há doze anos em Bruxelas”, diz ao amante antes de ele a deixar em casa, numa rua de Lisboa, anunciando-lhe que talvez mostre ao marido esse manuscrito onde todas as personagens dessa vida que é a dela têm o nome real. “Não são personagens, conheço-as. Mas são personagens, sim senhor! São e não são. Mas, no manuscrito, parecem personagens. Percebes?”

Esta Noite Sonhei com Brueguel é uma fascinante teia de escrita, de escrita sobre a escrita, em que Luiza/Fernanda se procura a si-própria com a ferocidade de um prazer salutarmente irónico que dispara sem contemplações sobre si, sobre os parceiros de viagem que se encontram e desencontram nos universos que percorrem e sobre nós, os seus leitores. Uma sofisticada e complexa rede  num exercício de autocrítica quase despojado de emoções.

Um romance fascinante em que o evidente prazer da escrita se transmite sem fissuras para o prazer da leitura.  Esta Noite Sonhei com Brueghel, o sétimo romance de Fernanda Botelho, é o primeiro da anunciada reedição da sua obra completa, resgatando-a a imperdoável esquecimento e ao desconhecimento dos novos leitores para quem será uma luminosa revelação. Para todos, uma leitura sem desbaratos.

 

Esta Noite Sonhei com Brueghel

Fernanda Botelho

Abysmo

Prefácio Paula Mourão

Design e Logotipo convidado Maria João Carvalho

Revisão Maria José Sousa

Edição Julho 2017

268 páginas

(publicado no Guia Eventos Setúbal;Novembro/Dezembro 2017)

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